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domingo, 15 de mayo de 2011

Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar nacido en Calzada de Calatrava, en 1949, es tal vez el director de cine más laureado de la historia de nuestro país. Es considerado por muchos como el mejor director español de todos los tiempos y, sin duda, el que más repercusión ha tenido en el extranjero.




Nace en Calzada de Calatrava, provincia de Ciudad Real, en el seno de una familia de arrieros, y de muchos componentes femeninos. A los ocho años emigra con su familia a Extremadura. Allí, en Cáceres, estudia el Bachillerato Elemental y Superior, con los padres Salesianos y Franciscanos, respectivamente. Aunque el hecho de recibir una educación religiosa al final sólo le enseñó a perder la fe en Dios. Ya por esa época, comienza a ir al cine compulsivamente. Según él mismo cuenta: “Nací en una mala época para España, pero muy buena para el cine. Me refiero a los años cincuenta. Tenía muy pocos años cuando pisé por primera vez un cine de pueblo, se parecía al que sale en ‘El Espíritu de la Colmena’ de Víctor Erice. A aquel primer cine de pueblo, además de la sillita dónde me acomodaba, también traía de casa una lata de picón para combatir el frío durante la proyección. Con los años, el calor de ese improvisado brasero se ha convertido en el paradigma de lo que el cine significaba para mí”.


Interesado así por el séptimo arte desde pequeño, Pedro Almodóvar se lanzó a conseguir su sueño de hacer cine a los 16 años, trasladándose a Madrid con 22 años con la intención de estudiar y labrarse su carrera filmográfica. Durante años trabajó en diferentes empleos y ahorró dinero suficiente para comprarse una cámara de súper ocho, con ella empezó a rodar sus primeros cortos, que le sirvieron de aprendizaje como cineasta.
En aquellos tiempos, Almodóvar alternaba sus inicios en el cine con otras actividades artísticas: escritor (guiones de cómic, colaboraciones en periódicos y revistas underground, novelas), actor teatral (formó parte del grupo Los Goliardos, donde conoció a Carmen Maura), músico (creó un grupo de punk-glam-rock junto a McNamara)...

“Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón” fue su primera película la cual con un presupuesto de apenas 500.000 pesetas (3000 euros). No pasó desapercibida por sus polémicas escenas sexuales, dejando así Almodóvar una de sus señas de identidad a lo largo de su carrera, la explícita sexualidad.
“La ley del deseo”, y “Átame” son sus obras más importantes en sus primeros años, en los cuales destaca también “Mujeres al borde de un ataque de nervios” en 1988, y “La flor de mi deseo” en 1995, que serían candidatas al Óscar como “mejor película de habla no inglesa”. En 1999 Almodóvar lanza su primera obra maestra “Todo sobre mi madre”, que ganó numerosos premios en todo el mundo incluyendo el ansiado Óscar.
Al margen de su actividad como director de cine, Pedro Almodóvar es uno de los más importantes productores españoles: la compañía El Deseo, fundada en 1985 junto con su hermano Agustín, ha producido, además de sus propios filmes, los de directores como Álex de la Iglesia, Guillermo del Toro o Isabel Coixet.


Su hermano Agustín ha logrado que El Deseo crezca hasta colocarla entre las primeras del país. En el año 2000 Almodóvar, por su capacidad para financiar sus películas y atraer al público, ya aparecía como uno de los 100 directores más poderosos del mundo en la revista de la industria del cine Hollywood Reporter, en el lugar 64, por delante de leyendas del cine estadounidense como Robert Altman o Terrence Malick.


Tres años tardó el director manchego en volver a crear una nueva obra maestra, fue en el 2002 con “Hable con ella”, la cual a pesar de no ser tan premiada como la anterior, es considerada su obra cumbre para la crítica.
La Academia de cine español no eligió a “Hable con ella” sino a “Los lunes al sol” de Fernando León de Aranoa para los Óscar, lo cual creó discrepancias entre Almodóvar y la Academia que aumentaron tras el fracaso de “La mala educación”, en 2004, en beneficio de “Mar adentro” de Alejandro Amenábar, quien es considerado el heredero de Almodóvar y su competidor.


En 2006 se produjo un acercamiento entre ambas partes tras el aplastante éxito de “Volver”, estrenada tras la muerte de su madre, en la ceremonia de los Goya. Supuso el regreso de Carmen Maura al universo del director manchego, uniendo fuerzas con las espectaculares Penélope Cruz, Lola Dueñas y Blanca Portillo. Aunque no fue nominada a los Oscars de aquel año, sí consiguió, entre muchos otros premios, cinco Goyas: a la “Mejor película”, “Mejor director”, “Mejor actriz protagonista” (Penélope Cruz), “Mejor actriz de reparto” (Carmen Maura) y “Mejor música original” (Alberto Iglesias). En este mismo año ganó el Príncipe de Asturias de las Artes y el premio Terenci Moix en 2007.


La última obra de Pedro fue “Los abrazos rotos” en 2009, cuya protagonista es Penélope Cruz (junto a Carmen Maura, sus dos actrices fetiches).
Cabe destacar que Almodóvar ha trabajado con los mejores actores españoles del momento: la propia Penélope, Javier Bardem, Javier Cámara, Carmen Maura o Blanca Portillo.

Pedro Almodóvar se confiesa abiertamente homosexual y liberal, por lo que ha recibido numerosas críticas de la sociedad española más conservadora, que califica sus películas con adjetivos tales como pornográficas o depravadas. Medios de comunicación conservadores han atacado a Almodóvar en varios sentidos. “La Nación” le reprochaba ser difusor de unos estereotipos con los que se nos identifica por el mundo, que España es un país de travestidos, homosexuales, yonquis, histéricas… Al tiempo que relacionaba su patrimonio con las subvenciones recibidas como consecuencia de su actividad cinematográfica. En ese mismo sentido, el semanario “Época” titulaba un artículo en octubre de 2006: «Almodóvar se hace de oro con el dinero de todos.» y “Libertad Digital”, con motivo de la participación de Almodóvar en un mitin de artistas a favor de Rodríguez Zapatero, afirmó que los “activos” de Almodóvar sumaban 67 millones de euros, y que su apoyo a Zapatero tenía como trasfondo un interés comercial: el canon digital, por cuyo concepto debió recaudar grandes ingresos. Pero el hecho de tantas críticas y detractores no es algo que ha de impresionarnos, pues siempre todos los triunfadores tienen envidiosos o personas que necesitan de una crítica ácida movida por el morbo para comer.


Su nueva obra “La piel que habito”, con actores reconocidos como Antonio Banderas, es su último proyecto ya finalizado, que se estrenará el próximo 2 de septiembre, y un ejemplo más de la maravillosa habilidad de este genio del cine que, desde detrás de la cámara, es capaz de mostrar y transmitirnos infinitud de sentimientos y emociones a los amantes del cine, sobre todo a los amantes del cine español.


Trabajo realizado por Víctor Doña Grimaldi y Azael Durán Vela 2Bach A.

Imágenes de google e información sacada de Wikipedia y de nuestra propia redacción.

domingo, 20 de marzo de 2011

Comienzos del cine (2).

En esta segunda parte hablaré de los distintos elementos que entran en juego a la hora de realizar una película, así completaré este trabajo compuesto de dos parte, que como se puede ver, éste segundo, no hace mención al título, ya que he decidido realizar una composición de la historia, géneros y elementos de realización del cine.

Realización cinematográfica


La realización es el proceso por el cual se crea un vídeo. Usualmente, en el cine de producción industrial pueden distinguirse cinco etapas de realización: desarrollo, preproducción, rodaje, postproducción y distribución. La realización supone asumir decisiones tanto a nivel artístico como productivo, y la limitación únicamente está dada por los medios disponibles (presupuesto del que se dispone y equipo con que se cuenta).

Equipo técnico

-Producción: El productor cinematográfico es el encargado de los aspectos organizativos y técnicos de la elaboración de una película. Está a cargo de la contratación del personal, del financiamiento de los trabajos y del contacto con los distribuidores para la difusión de la obra. Si su tarea se limita a algunos aspectos puntuales del proceso técnico o creativo, se lo llama "co-productor".





-Dirección:
El director cinematográfico es el profesional que dirige la filmación de una película, el responsable de la puesta en escena, dando pautas a los actores y al equipo técnico, tomando todas las decisiones creativas, siguiendo su estilo o visión particular. Supervisando el decorado y el vestuario, y todas las demás funciones necesarias para llevar a buen término el rodaje.

-Guión: El guionista es la persona encargada de confeccionar el guión, ya sea una historia original, una adaptación de un guión precedente o de otra obra literaria. Muchos escritores se han convertido en guionistas de sus propias obras literarias. Dentro del guión cinematográfico se distinguen el guión literario o cinematográfico, que narra la película en términos de imagen (descripciones) y sonido (efectos y diálogo), y está dividido en actos y escenas. Es necesario distinguir el guión literario del guión técnico, que agrega al anterior una serie de indicaciones técnicas (tamaño de plano, movimientos de cámara, etc.) que sirven al equipo técnico en su labor y que, a diferencia del guión literario, suele elaborarlo el director, no el guionista.

-Sonido: En rodaje, los encargados del sonido cinematográfico son el técnico de sonido y los microfonistas. En la postproducción se suman el editor de sonido, el compositor de la música incidental y los artistas de efectos sonoros (foley) y de doblaje, para generar la banda sonora original.





-Fotografía: El director de fotografía es la persona que determina cómo se va a ver la película, es decir, es quien determina, en función de las exigencias del director y de la historia, los aspectos visuales de la película: el encuadre, la iluminación, la óptica a utilizar, los movimientos de cámara, etc. Es el responsable de toda la parte visual de la película, también desde el punto de vista conceptual, determinando la tonalidad general de la imagen y la atmósfera óptica de la película.

-Montaje: El montaje cinematográfico es la técnica de ensamblaje de sucesivas tomas registradas en la película fotográfica para dotarlas de forma narrativa. Consiste en escoger (una vez que se ha rodado la película), ordenar y unir una selección de los planos registrados, según una idea y una dinámica determinada, a partir del guión, la idea del director y el aporte del montador.

El montador hoy en día trabaja con plataformas y programas profesionales como Avid u otros métodos de montaje digital. Puede tener un asistente y a la vez suele trabajar en conjunto con el cortador de negativos, encargado de realizar el armado de la primera copia editada en film, basado en la lista de cortes, generada por el sistema de edición offline

-Arte (Diseño de producción): El área artística puede tener un director de arte o varios, de ser necesario. En el caso de haber más de uno, éstos están coordinados por un diseñador de producción, quien está a cargo de la estética general de la película. Estos directores tendrán asistentes y encargados específicos, como escenógrafos, encargados de vestuario, modistas, maquilladores, peluqueros/as, utileros y otros miembros suplementarios como pintores, carpinteros o constructores. También dependen de esta área especialistas en los efectos visuales y ópticos que se realicen en el rodaje, así como otros efectos realizados durante la fase de postproducción.

-Stunts: (Doble (cine)) Los dobles de riesgo o dobles de acción son las personas que sustituyen al actor en las escenas de riesgo. Donde la integridad física del actor o actriz podrían estar en riesgo. En algunos casos la escena de acción demanda de los actores ciertas habilidades de los cuales carecen, en este caso un especialista es contratado para realizar dicha escena. En otros casos el mismo actor tiene las capacidades necesarias para realizar la escena de acción sin embargo lo sustituyen por un doble para evitar el riesgo de un accidente y así atrasar toda la filmación.





-Storyboards: El storyboard es un guión gráfico que se utiliza para definir las secuencias, así como las variaciones de plano, gestos y posiciones de los actores, en cada una de las escenas antes de rodarla; en él vemos como si de un cómic se tratase la película completa. Además este elemento es fundamental para la buena comprensión del equipo técnico hacia lo que se va a rodar, incluyendo anotaciones con las dificultades de algunos planos o cosas a tener en cuenta. En la creación de un storyboard, los personajes y el fondo se pueden retratar únicamente mediante siluetas, pero siempre recalcando los elementos importantes en la acción como pueden ser flechas para indicar movimiento de cámara o de actores, o la expresión de un actor en un plano determinado.




-Trabajo realizado por: Alejandro López Pereira.

-Información:http://www.xtec.es/~xripoll/ecine0.htm
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/index.html
También he extraído información de la enciclopedia Gran Larousse Universal.

-Imágenes: http://www.google.es/images?um=1&hl=es&biw=1024&bih=578&tbs=isch%3A1&sa=1&q=dobles+de+pelicula&aq=f&aqi=&aql=&oq=
http://www.google.es/images?um=1&hl=es&biw=1024&bih=578&tbs=isch%3A1&sa=1&q=rodaje+de+pelicula&aq=f&aqi=&aql=&oq=
http://www.google.es/images?um=1&hl=es&biw=1024&bih=578&tbs=isch%3A1&sa=1&q=doblaje+de+pelicula&aq=f&aqi=&aql=&oq=

sábado, 19 de marzo de 2011

Comienzos del cine (1).

Éste será un trabajo que dividiré en dos partes debido a su largo contenido, no sólo hablaré de la historia del cine, también lo haré de los distintos géneros cinematográficos y elementos que entran en juego a la hora de rodar una película como el equipo técnico.

·Historia.

El séptimo arte comenzó el 28 de diciembre de 1895, cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

El éxito de este invento fue inmediato, no sólo en Francia, sino también en toda Europa y América del Norte. En un año los hermanos Lumière creaban más de 500 películas, marcadas por la ausencia de actores y los decorados naturales, la brevedad, la ausencia de montaje y la posición fija de la cámara.



(Auguste Marie Louis Nicolas y Louis Jean Lumière).

Pero los espectadores acabaron aburriéndose por lo monótono de las tomas. Y fue George Méliès quien profundizó por primera vez en el hecho de contar historias ficticias y quien comenzó a desarrollar las nuevas técnicas cinematográficas, sobre todo en 1902 con "Viaje a la luna" y en 1904 con "Viaje a través de lo imposible", aplicando la técnica teatral ante la cámara y creando los primeros efectos especiales y la ciencia-ficción filmada.

A partir de entonces la cinematografía no hizo más que mejorar y surgieron grandes directores como Ernst Lubitsch, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, o Charles Chaplin que mantuvieron en constante evolución la técnica hasta que en 1927 se estrena la primera película con sonido El cantante de jazz, a partir de la cual el cine tal y como se conocía dejo de existir y se impusieron guiones más complejos que se alejaban de los estereotipados personajes que la época muda había creado.

Fue en ese mismo año 1927 cuando la Paramount Pictures crea la técnica cinematográfica conocida como doblaje.
Al cabo de los años la técnica permitió la incorporación del color, llegando en 1935 con "La feria de las vanidades" de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente consiguió su máxima plenitud en 1939 con "Lo que el viento se llevó". El color tardó más en ser adoptado por el cine.



(Rouben Mamoulian).

El público era relativamente indiferente a la fotografía en color opuestamente al blanco y negro. Pero al mejorar los procesos de registro del color y disminuir los costes frente al blanco y negro, más películas se filmaron en color.
Asegurando su lugar en sucesión al cine clásico como por su proximidad al postmodernismo.





·Géneros cinematográficos.

En la teoría cinematográfica, el género se refiere al método de dividir a las películas en grupos. Estos géneros están formados por películas que comparten ciertas similitudes, ciertos tópicos, tanto en lo narrativo como en la puesta en escena.

-Cine independiente: Una película independiente es aquella que ha sido producida sin el apoyo inicial de un estudio o productora de cine comercial. El cine de industria puede ser o no de autor, mientras que el cine independiente lo será casi siempre. Actualmente existen muchos países que no tienen una fuerte industria del cine, y toda su producción puede ser considerada independiente.

-Cine de animación: El cine de animación es aquél en el que se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine de imagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes individualmente y una por una (mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas), de forma tal que al proyectarse consecutivamente se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.

-Cine documental: El cine documental es el que basa su trabajo en imágenes tomadas de la realidad. Generalmente se confunde documental con reportaje, siendo el primero eminentemente un género cinematográfico, muy ligado a los orígenes del cine, y el segundo un género televisivo.

-Cine experimental: El cine experimental es aquél que utiliza un medio de expresión más artístico, olvidándose del lenguaje audiovisual clásico, rompiendo las barreras del cine narrativo estrictamente estructurado y utilizando los recursos para expresar y sugerir emociones, experiencias, sentimientos, utilizando efectos plásticos o rítmicos, ligados al tratamiento de la imagen o el sonido.

-Cine de autor: El concepto de cine de autor fue acuñado por los críticos de los Cahiers du Cinéma para referirse a un cierto cine en el que el director tiene un papel preponderante en la toma de todas las decisiones, y en donde toda la puesta en escena obedece a sus intenciones. Suele llamarse de esta manera a las películas realizadas basándose en un guión propio y al margen de las presiones y limitaciones que implica el cine de los grandes estudios comerciales, lo cual le permite una mayor libertad a la hora de plasmar sus sentimientos e inquietudes en la película. Sin embargo, grandes directores de la industria, como Alfred Hitchcock, también pueden ser considerados «autores» de sus películas.

-Trabajo realizado por: Alejandro López Pereira.

-Información:http://www.xtec.es/~xripoll/ecine0.htm
http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque4/index.html
También he extraído información de la enciclopedia Gran Larousse Universal.

Imágenes: http://www.google.es/images?hl=es&source=hp&biw=1024&bih=578&q=hermanos+lumiere&gbv=2&aq=0&aqi=g8&aql=&oq=hermanos+lumi
http://www.google.es/images?hl=es&biw=1024&bih=578&gbv=2&tbs=isch%3A1&sa=1&q=rouben+mamoulian&aq=0&aqi=g1&aql=&oq=rouben+mamo

martes, 8 de marzo de 2011

Luis Buñuel

Biografía y filmografía.

Luis Buñuel Portolés nació el 22 de febrero de 1900 en la población de Calanda,
Teruel (España), era el mayor de siete hermanos, hijo de un ferretero llamado Leopoldo Buñuel y de María Portolés, una mujer que solamente tenía diecisiete años cuando contrajo matrimonio con Leopoldo, casi treinta años mayor que ella.
Después de estudiar con los Jesuitas, recibiendo una educación religiosa que lo marcaría en su devenir personal y una educación artística, Buñuel se trasladó a Madrid en 1917 para iniciar la carrera de Ingeniería Agrónomo, instalándose en la Residencia de Estudiantes en donde entablaría amistad con Salvador Dalí y Federico García Lorca. En la capital de España Buñuel abandona Ingeniería para terminar licenciándose en Filosofía y Letras.


Con el incipiente mundo del celuloide en auge, será la visión de la película “Las tres luces” (1921), obra de su gran ídolo cinematográfico, el director alemán Fritz Lang, el detonante para que Luis Buñuel comenzara a dedicarse al séptimo arte.
En 1925 Buñuel contrajo matrimonio con Jeanne Rucar.



Tras ocuparse como asistente de dirección y guionista de Jean Epstein y Mario Nalpas y estudiar técnica cinematográfica en la Academia de Cine de París, Buñuel realizó junto a Dalí el famoso corto experimental “Un perro andaluz” (1928), título que se convertiría inmediatamente en pieza clave en la historia del cine por su inmersión en el estilo surrealista.
El surrealismo en los años 20 desarrollaba una creatividad intelectual plena de imaginería visual, que destrozaba los tradicionales conceptos de expresión y narrativa, concediendo una importancia esencial a los mundos oníricos como reflejo de una lógica que dormita bajo la capacidad subconsciente del individuo. La obra clave y comienzo del cine surrealista fue "Un perro andaluz", en donde salvajemente se rechazan los valores fílmicos prevalentes y se acometía una nueva forma de narrar dentro de la capacidad coherente de la imaginería surrealista, basada en una extraordinaria fuerza visual que servía para provocar ansiedad en el espectador, una auto capacidad creativa propia y subvertir la realidad cotidiana.


Tras “Un perro andaluz” Buñuel dirigiría obras tan significativas como "La edad de oro" (1930), una sátira surrealista recibida con entusiasmo por la crítica del momento, lo que le supuso una oferta de la Metro Goldwyn Mayer. Tras viajar a Hollywood sin rodar con el estudio del león Buñuel retornó a España para rodar el documental "Las Hurdes/Tierra sin pan" (1932), censurado en España, y varios trabajos como productor.
Con el estallido de la Guerra Civil española el autor aragonés se exilió en el continente americano antes de colaborar con el gobierno republicano, para el que trabajó en un documental titulado “España leal en armas”. Trabajó durante un período en el MOMA y pasó de nuevo brevemente por Hollywood sin terminar de llegar a concretar varios proyectos que manejaba.
Tras un largo período sin estrenar Luis Buñuel se asentó definitivamente en México, estrenando su primer film en tierras aztecas, "Gran Casino" (1947), una película de encargo protagonizado por Jorge Negrete y Libertad Lamarque. En 1949 se nacionaliza como mexicano, consiguiendo la doble nacionalidad.



Después de “Gran Casino” vendrían títulos como la comedia “El gran calavera” (1949), “Los Olvidados” (1950), “Susana” (1951), con el protagonismo de Rosita Quintana, “Don Quintín el amargao” (1951), “Una mujer sin amor” (1951), “Subida al cielo” (1951), “El Bruto” (1952), la co-producción mexicano-estadounidense “Robinson Crusoe” (1952), “Él” (1953), con Arturo de Córdova y Delia Garcés, “Abismos de pasión” (1953), “La ilusión viaja en tranvía” (1953), “El río y la muerte” (1954) o “La vida criminal de Archibaldo de la cruz o Ensayo de un crimen” (1955), fenomenal comedia de humor negro con Ernesto Alonso de protagonista.
Su cine, surrealista, original y simbólico, aborda diversos géneros y subgéneros, como farsas, sátiras, comedias negras, dramas de corte neorrealista o pasionales melodramas, enfocando sus puyas críticas principalmente en el catolicismo y la burguesía. Admirado tanto en Hollywood como en Europa, Buñuel, en muchas ocasiones ayudado en el guión por Luis Alcoriza, trabajará a partir de mediados de los años 50 también en el viejo continente, principalmente en Francia.

En el año 1955 rueda “Así es la aurora”, una película franco-italiana protagonizada por Lucía Bosé y George Marchal. Más tarde con capital galo y mexicano estrena “La muerte en el jardín” (1956), con Simone Signoret, Marchal, Michel Piccoli y Charles Vanel. En 1959 filmó con el protagonismo de Paco Rabal “Nazarín” (1959), adaptación de Benito Pérez Galdós, uno de sus escritores favoritos, y “Los ambiciosos” (1959), co-producción franco-mexicana con la pareja María Félix y Gerard Philipe.



Tras dirigir “La Joven” (1960), un drama realizado con producción estadounidense, Buñuel es invitado por el gobierno español para dirigir “Viridiana” (1961). El film, una sátira religiosa, se convirtió en un escándalo, siendo de nuevo censurado por la Iglesia católica. La película, protagonizada por Fernando Rey, Silvia Pinal y Paco Rabal, ganaría la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
“El ángel exterminador” (1962), película con Silvia Pinal de nuevo como principal protagonista, fue otra brillante sátira, ahora con la burguesía como punto de mira. “Diario de una camarera” (1964), con Jeanne Moreau, adaptaba de manera estupenda el libro homónimo de Octave Mirbeau. En 1965 rodaría su última película mexicana, “Simón del desierto” (1965), una divertida sátira con la religión de nuevo como principal protagonista.

Catherine Deneuve sería la hermosa protagonista de “Belle de Jour” (1967), un drama erótico con ribetes surrealistas que se convirtió en uno de los títulos más sobresalientes de su carrera. Los años 60 concluyeron para Buñuel con “La vía láctea” (1969), film episódico sobre las vivencias de dos peregrinos.
Galdós volvió a ser adaptado por Buñuel en “Tristana” (1970), película que estaba protagonizada por Fernando Rey, Catherine Deneuve y Franco Nero. Rey fue un actor asiduo de Luis Buñuel, y en casi todas sus apariciones la obsesión sexual fue el basamento de su comportamiento, como en “Ese oscuro objeto del deseo” (1977), última película de Buñuel en la cual empleaba a dos actrices, Angela Molina y Carole Bouquet, para un único papel.



Con anterioridad Fernando Rey también había protagonizado “El discreto encanto de la burguesía” (1972), película que consiguió el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Buñuel, tanto en este título, como en “Ese oscuro objeto del deseo”, lograría ser nominado al premio Oscar como mejor guionista.
Cuando le fue concedido este Oscar, George Cukor organizó una cena homenaje a Buñuel en noviembre de 1972, a la que asistieron personajes tan importantes del mundo del cine como Alfred Hitchcock, George Stevens, John Ford, William Wyler, Robert Mulligan, Robert Wise, Billy Wilder o Rouben Mamoulian.
Su penúltima película como director, antes de “Ese oscuro objeto del deseo”, fue “El fantasma de la libertad” (1974), una de sus títulos más vanguardistas.
Luis Buñuel fallecería en Ciudad de México el 29 de julio de 1983. Tenía 83 años.

Por último me gustaría destacar de entre todas, aquellas que, en mi opinión, son las mejores o las que más me han gustado. Y como sólo he podido ver dos películas de las mencionadas a continuación, me he guiado por las críticas de las demás:

1. “El ángel exterminador” (1962)

2. “Viridiana” (1961)

3. “Un perro andaluz” (1929)

4. “Tristana” (1970)

5. “El discreto encanto de la burguesía” (1972)

6. “La edad de oro” (1930)

7. “Los olvidados” (1950)

8. “Nararín” (1959)

9. “Belle de jour” (1967)

10. “Ese oscuro objeto de deseo” (1977)




-Trabajo realizado por: Alejandro López Pereira.

-Información: http://www.luisbunuel.org/biogra/biograf.html
http://cvc.cervantes.es/actcult/bunuel/indice.htm

-Imágenes:http://www.google.es/images?hl=es&biw=1024&bih=578&gbv=2&tbs=isch%3A1&sa=1&q=luis+bu%C3%B1uel&aq=f&aqi=g8&aql=&oq=

domingo, 30 de enero de 2011

Pequeños y grandes pasos de Javier Bardem


Javier Ángel Encinas Bardem es su nombre completo, nació en Canarias el 1 de Marzo de 1969.

Javier Bardem proviene de una familia plagada de actores, sus abuelos (Rafael y Matilde) su madre Pilar Bardem y su hermano mayor Carlos Bardem, con estos antecedentes era imposible que al menos no existiese un poco de curiosidad por este mundo por el que su núcleo familiar se rodeaba. Pero la cosa no acaba ahí, porque si tío y su primo (Juan Antonio y Miguel) destacan como directores de cine.

Aun así Javier empezó a jugar en la Selección Española de Rugby y mantuvo su afición hasta los 21 años, después se sintió atraído por la pintura y le dió una oportunidad a la Escuela de Bellas Artes y Oficios y continuar con su formación en Juan Carlos Corazza vinculado con ella hasta hoy, y a lo que le debe muchos de los triunfos que ha ganado a lo largo de su carrera cinematográfica.


Con sólo 5 años, Bardem hizo un pequeño papel en la seria de televisión “El Pícaro” (1974). Su primera escena como actor estuvo marcada por un anécdota con Fernando Fernán Gómez. Según explica el artista en la secuencia Fernán le apuntaba con una pistola y él tenía que reírse, en cambio se asusto y lloró. Su compañero de trabajo le quitó hierro a el asunto al decir: “No pasa nada, dejadle, es un actor dramático”. Habría que verlo.

Con 11 años, Javier fue teniendo pequeños papeles, uno de ellos en una película protagonizada por su madre “El poderoso influjo de la Luna”, también realizó apariciones esporádicas en Televisión Española.




Los años pasaron y su físico era muy apropiado para interpretar personajes agresivos y rudos. Tras una breve aparicion en “Las edades de Lulú” se convirtió en uno de los actores fetiche del director Bigas Luna que junto con la que sería su futura mujer 18 años mas tarde Penélope Cruz y Jordi Mollá, protagonizó “Jamón, jamón”, película que catapultaría a los tres a la fama.



En 1994, con 25 años ganó el Fotográma de Plata al mejor actor por “Huevos de oro” de Bigas Luna y el premio Fernando Rey a mejor interpretación en “Días contados” y “El detective y la muerte”. Un año mas tarde recogía el premio Goya al mejor intérprete masculino de reparto y el premio de la Unión de Actores al Mejor Actor, además del Fotográma de Plata por “Boca a boca”, gracias al cual gano otro Goya a la mejor interpretación masculina protagonista en 1996.

Sin parar, un año las tarde consigue el premio del Público al mejor actor en la Gala de la Academia de Cine Europeo, en enero de 1998 competiría por su tercer Goya con “Carne Trémula” y trabajaría en “Segunda piel”.

En el año 2000 ganó la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia por la película “Antes que anochezca” que representó su consagración internacional. Al año siguiente por esta misma película fue candidato al Óscar al mejor actor protagonista.



En 2003 obtuvo el Goya por su papel en “Los lunes al sol” compartiendo protagonismo con Luis Tosar, también ganador de un Goya por esta película. En la ceremonia de entrega de dicho premio hace oír su voz junto con la de sus compañeros, contra la guerra y la invasión de Irak

En 2004 consigue de nuevo la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia, esta vez por su papel en “Mar adentro” por el que también repitió Goya al mejor actor.

En 2006 protagonizó “El amor en los tiempos del cólera” dirigida por Mike Newel con un guión del sudafricano Ronald Harwood y rodada en Cartagena de Indias.

En 2008 protagonizó, junto a Scarlett Johansson y Penélope Cruz, “Vicky Cristina Barcelona”, dirigida por el neoyorquino Woody Allen.


En 2008 ganó un Globo de oro al mejor actor de reparto por su actuación en la película “No country for old men” de Joel e Ethan Coen. También ganó por esta misma película BAFTA (Home of the British Academy of Film and Television Arts) al mejor actor de reparto y el Óscar en la misma categoría, siendo el primer actor español que gana tal premio.

Con estos tres triunfos del 2006 y 2008 saltaba al cine internacional y es que no podemos olvidar que es uno de nuestros actores mas internacionales junto con Antonio Banderas de origen malagueño.



En 2010 por su película “Biutiful”, ha dado una gran noticia apenas solo unos dias, nuestro actor ha sido nominado al Óscar al mejor actor, su tercera candidatura a estor premios, Bardem tendrá como rivales de estatuilla a Colin Firth en “El discurso del rey” Jesse Eisenberg que encarna al creador de Facebook en “La red social”, James Franco en 127 horas y Jeff Bridges en “Valor de ley”



¿Quién se llevará el galardón?


Javier Bardem tiene una gran proyección como actor desde hace 20 años en este trabajo que he realizado se puede observar como año a año Bardem obsequia al cine español con un premio reconocido o una nueva película, esta claro que no es un actor fugaz y que tendremos mas noticias como las de hace unos días que anuncien que Javier Bardem se disputa el premios entre otros grandes del cine, y gane.


Realizado por: Ignacio Pereiro y Sara Martínez

Fuentes:

domingo, 5 de diciembre de 2010

El cine español

Bueno en este nuestro último trabajo os contaremos un breve resumen de la historia del cine español y uno de sus directores más significativos.

El cine español ha sido y es, durante décadas, un entretenimiento de masas.
En la actualidad ,no ocupa un buen lugar,pues el cine estadounidense está muy avanzado en esta materia.Y el porcentaje de gente que acude al cine es muy bajo por lo que se podría hablar de una crisis.

Los inicios del cine español tuvieron lugar en las fiestas de San Isidro.Aunque Barcelona está conisderada como la cuidad clave del cine español.La primera película española fue "Salida de la misa doce de la iglesia del Pilar de Zaragoza".
Uno de los principales figuras del cine es Luis Buñuel,que ha marcado una época en el cine.

Por otra parte llega a España el cine mudo,que con el paso del tiempo entra enuna crisis.El cine mudo empieza a entrar en una crisis causada por la llegada de producciones extranjeras con sonido.En esa época se funda la compañía Industrial Film Española la productora más importante que ha tenido España.

La guerra también saca provecho del cine.Utiliza al cine como medio de propaganda.En el bando franquista se crea el Departamento Nacional de Cinematografía.Al concluir la guerra civil ,muchos cineastas marchan al exilio.Con el fin de la dictadura,se suprime la censura y se permiten las manifestaciones culturales en otras lenguas españolas.En los primeros años se abordan temas polémicos.
El cine español va llenando sus salas, poco a poco,pero no puede hablarse del éxito del cine español en su conjunto ,sino de unas obras en concreto.

España también tiene variados festivales dedicados al cine,como el de San Sebastián o el de Gijón.





El cine español tiene diversos géneros:


  • Cine histórico.Narra las grandes hazañas de la historia.

  • Cine religioso.Suelen tratar de sacerdotes enfrentados con la sociedad.
  • Cine clásico.Muestra los grandes clásicos de nuestra literatura.

  • Cine de terror.Destaca Alejandro Amenábar y su película Los Otros.

  • Cine deportivo.Películas de fútbol como El penalti más largo del mundo.

Y muchos más géneros que complementan a un cine español que cada año aspira a ascender un escalón más para colocarse más cerca de Estados Unidos.


Uno de los directores más importante de España es Pedro Almodóvar,ha recibido los principales galardones cinematográficos.


Cumplida la mayoría de edad marchó para estudiar cine,pronto junto a su hermano fundó la compañía productora El Deseo.Su película Mujeres al borde de un ataque de nervios fue la primera vinculación de Almodóvar con los Óscar.Algunas películas fueron demasiada polémicas por la gran cantidad de escenas de sexo que tenían.


También ha sido un hombre polémico tras anunciar en público su apoyo a Zapatero.
Medios de comunicación conservadores han atacado a Almodóvar en varios sentidos. La Nación le reprochaba ser difusor por el mundo de unos estereotipos con los que nos identifican por el mundo. España es un país de travestidos, homosexuales, yonquis, histéricas,... al tiempo que relacionaba su patrimonio con las subvenciones recibidas como consecuencia de su actividad cinematográfica..Pero a pesar de estas polémicas todos los actores que han trabajado con él aseguran que es una persona pacífica y muy buena en su trabajo.

Trabajo realizado por Moisés Álamo y Jesús Lorente

El trabajo ha sido redactado por nosotros y nos hemos ayudado con la información de wikipedia más los conocimientos que teniamos.